如何拍一张经典不过时的全家福？

网上有关“如何拍一张经典不过时的全家福？ ”话题很是火热，小编也是针对如何拍一张经典不过时的全家福？寻找了一些与之相关的一些信息进行分析，如果能碰巧解决你现在面临的问题，希望能够帮助到您。

孩子慢慢长大，拍一张全家福作为纪念几乎是每个家庭的必修课。在中国传统的家庭观念中一家人整整齐齐才是最重要的，而全家福则是这种观念的现实产物，那么问题就来了，在这个快速发展而又时刻更新的社会中如何拍摄出经典而又不过时的全家福成为我们本期讨论的议题。

鉴于我们本期讨论的并非时尚大片，颜值不够，智商来凑！别的不说，要是一家人的穿着颜色搭配得好，画风就不会错到哪儿去。下面让我们拿几张“别人家的”全家福当范本，教你掌握全家福的美学视角。

要想拍一张经得起时间考验的全家福，穿什么非常重要，除了款式要简约经典，符合一家老小各自的年龄与气质，还得讲究整体上的色彩搭配。那么究竟怎样配色才能赏心悦目呢？

先来看个反例

奥巴马一家拍了不少全家福，但这张毫无疑问是最失败的，配色乱得一塌糊涂，就算身材正点、笑容灿烂，也只能归入反面教材一类。

再来看看威尔·史密斯的全家福吧

一家人穿着穿机车夹克、T恤和牛仔裤，很休闲的感觉，妈妈的红色上衣在全家人冷色调的衬托下成为点睛之笔，在非正式着装的全家福里面算是配色比较大胆却没走偏的例子。

下面让我们总结一下有关全家福配色的要领：

裸色是最安全的配色方案

假如你自认为对色彩缺乏感觉，那最安全的配色方案就是不要有颜色，全家人都穿裸色系的衣服，是自然派的优雅，适当加点黑白灰，绝对错不到哪儿去。

同一种色彩的渐变

保证万无一失的另一种方法是大家都穿一个颜色，但色阶有所差别。如果你不懂什么色相色阶，就想象一下颜色的浓淡吧，比如你穿了正红色的连衣裙，就给女儿穿浅红色的，然后从儿子的粉红色的衬衣过渡到爸爸的肉粉色。虽然说是万无一失，但千万记得要保持渐变的强度一致，别从明艳的橘红色直接跳到粉红色，否则毫无美感可言。

不同的色彩，同样的浓淡

反过来，我们也可以在同一色阶里取不同色彩来穿。比如这张照片，就是在红、黄、蓝这三原色里挑最淡的一种——粉红、粉黄和粉蓝，然后与白色衣服、白色的沙滩相衬，看起来柔和而唯美。

印花图案需要有取舍

虽然纯色是百看不厌的王道，但印花图案用得好，实际上会很出效果。不管是格子、条纹这类几何纹理还是花卉、植物这类图案，正确地取舍很重要，父母可以选颜色稍微干净一些的，而孩子们则可以浓烈大胆一些，然后与清爽的白色或百搭的黑色、藏青色相衬，看起来就会比较和谐。

分享一个中心人物的色彩

一家人拍全家福，总有一到两个人是处于中心位置，那么他们就可以作为色彩搭配的核心，其他人从中分享一二。比如这张照片里，最中间的小男孩穿了一件水蓝色的T恤，然后而他的兄弟姐妹和妈妈都拿一件同色系的单品来与他呼应。只要用这个方法来操作，再鲜艳的亮色都可以轻松驾驭。

像这张全家福一样，把爷爷奶奶的两个人穿着拿来作为配色的核心发散开来，清新的蓝与典雅的黑，单独看每个人都穿得个性十足，放在一起又是很和谐的一家人。

全家福保留下了一家人欢乐的时光，更是对家庭深深的爱。希望看过小编这篇文章的小伙伴都能和家里人一起拍摄一张美美的全家福。

初学者抽象摄影怎么拍出抽象的大片？

在现代架上绘画运动中，水彩画的确不容易定位。其原因是：欧洲自15世纪绘画以来，除英国之外，绝大多数西洋画家，他们把水彩画仅局限于创作小样构图和色稿上，游离于所谓的主流绘画之外。因此，人们常习惯地称它为“边缘”绘画。早期的有凡代克的蛋清水彩画，稍后的有巴比松画派的罗梭等人；还有18世纪时尚洛科科之风气的掘基人库.尔贝，以及印象派大师塞尚和现代艺术运动狂热者毕加索等大师们，他们的油画创作原始雏型小稿，往往采用便捷的水彩画形式，这为自己身后的世界，全在不经意之中留下了无数堪称经典的水彩画艺术作品，完整地勾勒了美术作品的形式探究和它的独立审美涵义。

正因为如此，陈培荣教授的水彩画，在吸取了西方诸家的水彩艺术养分之后，开拓了属于他自己的水彩画形式。尽管他一直钦羡英国画家透纳笔下朦胧的瑰丽和绚烂极致的格调，宛如声唳弥空，大服巳飞的空灵回荡；但他更加欣赏康斯坦勃尔的笔触，灵动纸面上的境界，深抵性灵之刹那间的感动，“这才是水彩画固有的魅力 ”他如是说。

当然，任何艺术的程式化，必然擎肘艺术家的个性发展和鲜明的艺术风格的形成。其中，迎合时尚是艺术创造性工作的大忌。为此，陈培荣教授谈及自己早年学习绘画时就深谙此道。他除了向优秀的西方艺术大师们借鉴学习之外，尤其注重国内一代宗师李咏森先生的水彩画示范，分析李咏森先生竭尽画面“工整、严谨、细腻”的特点和著名画家哈定先生笔端流露出来的“飘逸、清理、鲜明”的特征；包括著名雕塑家张充仁先生的水彩画，均对陈培荣教授有着不俗的影响。陈培荣教授说：“水彩画面的艺术张力，必需依赖于‘水’的滋润，否则水彩画的‘水’的魅力和审美品相就荡然无存。 ”然而，他反对那种机械主义“干与混”的笔意情趣之下的水彩画。他一直以为那种单纯意义上的水彩技巧，并无多大的学术上的作为。他进一步举证说道：明清二代的“没骨”山水、人物画大家恽南田、虚谷、任伯年等人，其创意的“墨色”，具有明显的水韵之美，但是他们毕竟依赖于客观对象，而技巧作为辅助的“表现 ”载体，唯有如此，水墨才能挥洒空灵、飘逸、清丽、深邃和凝重的审美效应。他说“它们才会具有诗化了的隽永意境。”这是水彩画的灵魂。

《国色天香》就是这样一幅以“水墨”层层铺展开来的作品。它入选第九届全国美展，且获优秀作品奖。画面倚重“黑白 ”两色的渐变关系，其浓郁又浑然的色素，婉蜒在娇嫩的花姿上，正悄然开放着一种不失纯正的美丽；似乎在朦朦胧胧的半遮半明的构筑上，循隐若现含羞吐蕊的牡丹，鲜活了我们司空见惯了的日常生活。它既不是画家的寥笔草草、浮光掠影的即景写生，也不是刻意雕琢的精致描摹。陈培荣教授对此的解释：“我则不过把‘水墨’发挥到极致的程度，它就自然而然的蹴成了特有的水彩艺术效果。当然，它的前提是我所喜欢画的题材。”九十年代迄今，陈培荣教授开始主攻《花卉》系列水彩画。其代表作《冰清玉洁》整开之大，画面恰到好处地“求虚”而“充实 ”的写意性质，倒不见所谓滥情、矫情和多情的“三情”媚态世俗，这在当今中国水彩画研究领域之中是非常少见的现象。画作上大胆“出穴”的构图，和“光影 ”渐变的舒缓节奏。它既体现着西方绘画的客观经验性质，又不失去东方绘画的玄秘境界，其两者互融为一体，营造出一种骄傲不失矜持的贵族派头，他着实在当今的中国水彩画坛上，占有非常重要的一席地位。

陈教授认为，花卉这类题材，带有很强的随意性、通俗性和广泛性，在内容上具有相对的狭窄性。因为花卉没有地域性的限制，这势必给予人们的审美参与意识，或社会认同的审美价值系数，它明显高于其它域性很强的作品。陈培荣教授强调他那被虚拟雾化的花卉外形，以便唤起基于过去人们所经验的表象，抑或事物的特征记忆，这在某种程度上是重复了“实验美学”，这与再现的“艺术”有着迥然不同的性质。所以他笔下的花卉，乍似静止的摆设，却往往是“长瞥远引，旋复回皇。 ”它状似流水，又像飞鸿，其图型的虚实比照，色彩的淡雅渗化，可谓泛滥博漠，浩浩洋洋，这算得上画家对花卉的巧妙解释。

如今，浮华和世俗是当前国内水彩界的瘤疾和通病，也是滞后于其他画种（如油画等）发展的原因。陈教授认为，尽管几世纪之长的英国水彩画有着它特殊的审美和社会价值的确认性，但它比较中国元代的范宽和李成的山水画，包括宋代的马远和夏圭的山水画，其民族文化的底蕴和人文精神，揭示了中国的当代水彩画，它没有理由落后于西方水彩画。当然，那种目光专注于光与影的实践，毕竟缺少了那一份现代艺术应有的实验性，这将是有悖于当下的世界美术潮流。然而，既往不咎，陈事不说，它并不是陈培荣教授认同的绘画准则。也许，他长年的美术教学实践，以及他长年的艺术设计生涯缘故，这使得他异常关注造型艺术的现代视觉感受。他认为那种内容平庸，表现手法单一的“易物”写生式水彩画，往往是造成“宜繁而繁，宜简而简”的窠臼；反之，“立意在先，造像在后”却是推陈出新的先决条件，它才有可能在画面上不拣一丝浮华，积淀的是一种美丽的灵动，走出属于自己的画风。

如果说，古人称之“萧散简远，妙在笔墨之外 ”，形容它有“远韵”之意，这落在陈培荣教授的水彩画上，一定会不乏某种情致的玄妙而袅袅吹来水韵之美。

水彩新天地

“在一大片层次微妙的沉着的金**的色域中，盛开的鲜花，时隐时现，朦朦胧胧，千姿百态......没有特定的时间，不知其出自什么场所，一切皆在具象与非具象之间......一股沁心诱人的生命的诗意，从硕大的画面中漫出......”这就是笔者见到的著名画家陈培荣教授的画作。其飘渺莫测的画境所表现出的雅致与静穆，宛如首首鸣奏曲，抒发着作者心灵的歌。

当回顾陈培荣先生为创造具有中国气派的水彩画而苦苦求索数十载的历程，直至今日开创出布面水彩画，对于他在艺术上不安于现状，敢于另辟蹊径的胆识和勇气，则更是深信不疑了。笔者比较了陈培荣二十世纪末的纸面水彩画的代表作，从中窥见了布面水彩画与传统纸面水彩画之异同及其新的突破。布面水彩画，其材质与纹理明显不同于水彩画纸。故对水分的吸收与消融，都带来了新的难度。这就要求画家对色与水的结合上具备高度的驾驭与控制能力。一俟色、水与布面结合的矛盾获得化解，画面的视觉效果也就焕然一新了。在陈先生的布面水彩画中，我们除了仍能领略酣畅淋漓、轻灵洒脱、明净剔透等水彩画独有的魅力外，由于其精细处不滞涩，飘渺处不虚空，在朦胧中格外显现了别一样的典雅、醇厚的韵味，这恰恰是传统的纸面水彩画所难以捕捉到的。

诚然，作品的孰优孰劣，并不能以画幅之大小而论，中西绘画，向来乏大中见小，以小见大的佳作。但也不必否认，画作的大小，对于视觉而言，诚然也有不同的效果。以布做基面的大幅水彩画，无疑为表现作品的气势拓展了新的天地。至少在陈先生的水彩画中，其大幅布面水彩画所显现的“一泻千里 ”的势象，则是其小幅纸面水彩画所不可同日而语的。这样，是否还可以说，陈培荣的大幅布面水彩画，可能将一改水彩画只好画画小品的老概念了。陈培荣是继承具象一路的。但如果我们将中西写意，意象绘画的理论与实践来观照陈培荣的油画近作，可以发现他的新意象油画是有他自己东西的。作品中，他力图将中国写意绘画“首贵气韵生动”这个精髓，与西方意象绘画注意形式，简约和涵盖空间、色彩、形象诸要素的整体视觉效果融合起来，并以自己的个性融入整个画面意象框架中。而这正是陈培荣新意象油画的价值所在。所以说，陈培荣的新意象油画是本土的，又是走向国际的，也仍然是个人的。其中以他长期实践积累的“江南水乡”为母题的近作最具代表性。以形象论，其意象当然还是有形的，或存有可识别的有意味的图式，但已不是和别具体的或者如自然地理那样一一可以对照的图式了。因此，他作品的形象里，不一定能寻觅某某水乡小镇的某某桥，某某老屋诸如此类的踪迹了。但水乡所共同独有的几乎符号化了的“小桥、流水、人家 ”，却都在他平和、恬静、幽深、清远等迷人的境界里得到显现。观者可以在与作品的相互交流渗透过程中，获得各自的审美享受，而不用拷问这是周庄、甪直、朱家角、还是绍兴......。而这也正得益于他画面所组织的个性与共性，非理性与理性有机统一的，唯水乡才有的意象及其所蕴籍的美感。

陈培荣新意象绘画的空间与色彩，同样兼容中西写意与意象元素的。对陈培荣而言，空间就是他赖依贯穿韵律的场。画面中，他常常以压扁的二度空间去展开。视韵律或高潮需要处，也会有节制地用上浅度的三维空间。有时还会以带装饰味的结构去营造别一样的空间。正因为着力摆脱幻象的束缚，其可舒展的空间一下子变大了，自由了。但无论怎么样，由于以虚带实、缥缈莫测，虚而不空、实而不死，并有序地掌控阴阳、刚柔、大小、轻重、动静、纵横、奇正、起伏、开合等对比度，其所营造的朦胧空间，即使是一大片天，一大片水，也都是节律涌动，富有意味，而且总是那么简洁、空灵、通透，一如人的呼吸可以感悟，绝不是什么都不是，什么都没有的“空空如也” 。

油画，简而言之，便是以色彩“说话”的艺术。从油画的实践历史去看，一幅作品的空间、形象，乃至韵律和融入画家个人性情所创造的境界，都是以色彩为载体的。观陈培荣的新意象油画，其色彩配置与色彩调性，比之过去更加简约。色彩的总的体貌以冷色系的蓝色调、中性色系的绿色和银灰色调居多。也不排斥诉诸情感的暖色系和红**调。他在注意驾驱色彩和色调大的对比和和谐的同时，似乎更娴熟于色彩明度变幻的运用。这对于他从容不迫地渲染中和、典雅、清丽而醇厚的韵致与境界是到位的；对于构筑朦胧的意象空间再也吻合不过了。这里特别值得一提的，在他的近作中出现了几乎只用明度与冷暖差异微妙到极致的一种色域的作品。由于色彩的色相省得不能再省，其若有若无的、若似若不似的意象的意味更有回味了；由于神韵游与意象外，其开掘的境界似更大气了，作品的面目也更与众不同了。这不但与自然保持了具体平衡度的距离，也自然而然地拉开了与别的画家的距离。

论及陈培荣的新意象绘画，还须触及他的修养与技巧。对一个有作为的画家来说，技巧完全是他的修养的一部分，更是他个性的映照。这也即俗话所说的“画如其人 ”。一幅画就可以看出这个画家的修养的深浅。一般说，请一个文学家、音乐家作一幅画不成问题的，但要他画出一幅美妙的画就有点勉为其难了。至于说画家，无论具象还是抽象，如果是要靠耍几笔蒙人，是注定过不了视觉审视这个关口的，当然更免谈经受时间与历史的验证的了。所以，绘画艺术没有相当的基本功是不行的。就陈培荣而言，他有经过长期磨练的扎实的写实功夫；他在从事绘画创作的同时，又不间断地进行设计实践而锻就了出众的抽象能力；他的水彩画，由于吸纳了中国传统绘画的墨韵、神韵和英国水彩画派穷尽朦胧飘忽的光色等元素而自成一格，并名声远播；至于他对优秀的中西艺术。则是耳濡目染了。陈培荣正是因为在日积月累的艺术创作过程中，以平常心自觉地将诸多修养融会贯通，寻找结合点，加以变通，锐意变法，综合运用，才会有他今日的新意象油画。

陈培荣锲而不舍探求新意象绘画所走过的路，无疑会引起我们的关注与思索。陈培荣先生设计的一幅《友谊唇膏》的广告招贴，曾获得第一届全国广告装潢优秀设计奖。这幅招贴画突破了一半采用的写实手法，它用黑色作底，上面英文字母Lipstlck（唇膏）白字，其中字母i的一点用红色表示唇膏，这一红色点在黑白之间表现的十分突出，使人马上能想到一支唇膏的形象，收到十分强烈的艺术效果。用他的教学语言来说就是要构思“巧”，手法“新”，制作“精 ”，同行中称它为设计者的“三字经”。

多年来，陈培荣悉心研究装潢美术的创作规律，在装潢美术的时代精神和民族传统的结合方面有独到的见解。他所设计的“一九八四年上海国际游泳邀请赛”的标记图案，用几何图形表现两个游泳健儿，上面一选手用朱红色，下面一选手用普蓝，这两种颜色对比十分强烈、醒目，这两个选手相反而游，既表现出竞争的激烈，又构成S形状，象征上海的第一个字母，这样人物造型动作用几何形体，比较概括，具有现代感，手法活泼，加上不规则外形，增强了动感。给人们留下了深刻的印象。

陈培荣善于运用几何图形，把传统民族风格与现代绘画技法巧妙地糅合在一起，创造了自己的独到的风格。在人民体育出版社出版的“实用体育美术作品选中”，收入了他创作的十七幅体育装饰画，淋漓尽致地表现了这一风格。他大胆地运用鲜明的几何形象，使运动状态、轮廓等全部处在变化之中，并以抽象的线条，光影组成了美的图案。可以说他的创作构思，得心应手地使几何图形的作用远远超过了它原来的界限。

抽象摄影起源于人们开始使用相机和胶卷拍照之前。你可以使用各种工具将物体光线反射到物体表面(例如玻璃，磁带或光敏纸)上，如果同时无法对焦或控制快门速度，在本文中，我们收集了一些技巧，以帮助你掌握这一类型，并激发你探索周围世界的“抽象 ”摄影的动力。

什么是抽象摄影

抽象摄影是一种类型，其主要特征是框架中没有可区分的物体，朝这个方向工作的摄影师努力传达情感或印象，而不是捕捉物体的视觉图像。

尽管此类型没有技术或“主题”限制，但仍有许多因素使抽象摄影成为杰作。例如，平衡的构图和调色板，令人着迷的和谐，神秘的抽象图案。

借助我们收集的技巧，你可以使用抽象摄影表达自己的想法，并避免常见的错误。

1.找到一个熟悉的主题

抽象摄影的本质不在于拍摄物体，而在于传达印象甚至感觉。你的照片看起来有多冷?是什么颜色?如何表现出刺激性?你不必事先提出抽象摄影的想法。尝试先拍照，然后再将其与某物关联。

这样的照片本身可以很漂亮(这是许多抽象派的作品出现的方式) 。

显然，你需要从某个地方开始。拿起相机，对熟悉的物体进行抽象拍摄，将新的艺术技巧应用于熟悉的事物要比从事不熟悉的类型和未知主题的工作容易得多。

2.使用黄金比例，图案和经典色彩组合

我们已经弄清楚了如何将您所看到的变成一组形状和颜色。现在是时候应用一些传统摄影中历史悠久的规则了。许多构图的元素和原理以及色彩组合是从绘画理论中获得的，这是最有用的列表：

三分法则和黄金分割率;对称与平衡;配色方案;对比的背景;自然框架指导方针和观点。也有颜色规则。你可以使用色轮选择两种或三种匹配的色相，也可以使用颜色理论通过抽象摄影来影响观众的情绪。